Algún día tengo pendiente hablar de la etapa de Neal Adams en X-Men, unos cómics fascinantes, surgidos gracias al buen hacer del dibujante y a la falta de presiones editoriales sobre una serie a punto de ser cancelada. Pero hasta entonces, veamos lo que el propio Adams tiene que decir al respecto:
“Bueno, te contaré la historia brevemente. Fui a Marvel a ofrecer mis servicios para hacer un cómic para Stan. Stan dijo ‘Puedes hacer el cómic que quieras.’ Yo dije, ‘Bueno, no puedes decirlo en serio. Obviamente hay cómics que están ya otorgados, que ciertas personas van a hacer.’ Dije, ‘Bueno, ¿por qué estás diciendo esto Stan?’ y él dijo, ‘El único cómic de DC que leemos por aquí es Deadman, así que desde nuestro punto de vista prácticamente puedes hacer lo que quieras.’ Yo dije, ‘Bien, de acuerdo, ¿Cuál es el título que peor vende?’ Stan dijo ‘El título que peor vende es X-Men Neal, y lo vamos a cancelar dentro de dos números.’ Yo había notado que ponían a cualquier tipo que se pasara por ahí en un número de X-Men, incluso aunque pudieran ser buenos artistas más adelante. Barry Smith hizo un número, Steranko hizo otro… Simplemente estaban poniendo a cualquiera que pasara por ahí. Así que dije que me gustaría hacerlo. ¡Dijo que solo íbamos a hacerlo durante dos números! Y yo dije ‘Bien, durante todo el tiempo que lo hagáis, quiero hacerlo, quiero hacer X-Men.’ Así que hice X-Men durante diez números y conseguí que la gente se interesara en X-Men. Y ellos siguieron adelante con sus planes y cancelaron el título, solo para descubrir más adelante que había comenzado a vender. Así que hicieron algunas reimpresiones durante un tiempo y luego lo restablecieron y todo el mundo se subió a bordo, básicamente haciendo de nuevo las historias que yo había hecho con su propio estilo, los Centinelas, Kaos y todo lo demás. Así que aquello realmente relanzó un título que iban a tirar a la basura. Y una de las razones por las que sabía que era una buena idea era que nadie había hecho realmente – excepto ciertas cosas de Los Vengadores de John Buscema – la gente no había hecho personajes en grupo. Y yo sentía que podía hacer personajes en grupo. Así que lo que hice con aquellos X-Men fue mostrar cómo hacer personajes en grupo. Los divides un poco, reúnes de nuevo a algunos de ellos, tienes relaciones internas entre uno, dos o tres, y los separas. No los pones en equipos y los envías a vivir aventuras y luego regresan al final de la historia, que era el método estándar de hacerlo. Así que creo que cambié la forma en la que se estaban haciendo los personajes en grupo.”
Una de las cosas por las que es conocido Neal Adams es por luchar a favor de los derechos de los creadores. Como pudimos ver no hace mucho con el caso de Gary Friedrich y el Motorista Fantasma, Adams suele intervenir en situaciones en las que los derechos de los creadores se ven amenazados por las grandes compañías recaudando fondos para ayudar a un determinado creador o lo que sea necesario. En la entrevista de ComicBooked.com, también habló de esto:
“¿Qué tipo de cambios te gustaría ver ocurrir en lo que respecta a cómo trata la industria a los creadores?
Me gustaría ver al Congreso de los Estados Unidos deshacerse del trabajo de alquiler* tal y como está estipulado en la ley de copyright. Me gustaría que más dibujantes y escritores independientes salieran a vender proyectos y me gustaría ver a las grandes compañías aprender la lección del compartir a la hora de licenciar los personajes que otra gente ha creado realmente. Ningún Publisher** – del que tenga conocimiento – ha creado jamás un personaje de cómic. Eso nunca ha ocurrido. ¡No sabrían cómo hacerlo! Así que hasta cierto punto, podrías decir que cada personaje ahí fuera debería ser co-propiedad de un escritor y un equipo artístico o un escritor y un dibujante individualmente. Es casi ilógico. Si fuera a una habitación llena de gente a preguntar ‘¿Cuántos personajes conocéis que hayan sido creados por Publishers?’ todo el mundo se reiría, no es algo que se pueda decir en serio. Así que ¿Cómo es que eso no se refleja en el dinero que la gente hace? Por otra parte, los dibujantes y los escritores pueden comportarse como idiotas y hacer demandas que son poco realistas, y esa es una de las cosas que asusta a los Publishers. Creen que si conceden ciertos derechos esas personas creativas y locas vendrán y estropearán la licencia. Así que incluso aunque puedan estar dispuestos a ceder un pedazo, no van a estar dispuestos a ceder el modo de gestionar cómo se licencia el trabajo. Quieren hacer eso, porque de hecho hacen eso mejor que los dibujantes y los escritores, saben cómo licenciar el trabajo, saben cómo acudir a las convenciones, cómo presentar sus licencias, saben cómo recopilar royalties, saben cómo escribir contratos. Bueno, algunos de ellos. Esa es su área. Así que los contraltos que tienen que ser escritos necesitan no solo compartir con los creadores, sino también necesitan dejar claro a los creadores que se les deja libres para hacer su parte y que es importante que el Publisher esté libre para hacer la suya. Y así es como se licencia correctamente un producto. Nunca es 100% de un modo o de otro, esa es una de las razones por las que no me involucro en el debate. Cualquier debate en el que haya estado involucrado ha estado claro: ‘Esto está mal, hagámoslo bien.’ Si se convierte en una cuestión de negociaciones, me retiro y ya no es de mi incumbencia. Aunque diré a modo de perspectiva general, una vez más, que ningún Publisher ha creado jamás un personaje de cómic.”
Y ya para acabar, permitidme que traduzca un último comentario que supone toda una declaración de amor al medio. Que alguien como Neal Adams, con todo su talento y que ha ganado gran parte de sus ingresos trabajando en publicidad, fuera de los cómics, diga estas palabras, tiene un sentido más profundo si cabe:
“Déjame ver… ¿Preferiría hacer una pintura en un lienzo que pones en un marco y cuelgas de la pared de alguien? No. ¿Quiero hacer una ilustración para una revista que ha vuelto la espalda a la ilustración y utiliza mayormente sólo fotografías? ¿De modo que cada cierto tiempo tengas que hacer una pintura que vaya a una revista? No. ¿Quiero pintar fondos para una película? Bueno, se trata de fondos para una película, ¿no? No. No tengo muchas elecciones, ¡la mayoría de las cuales reciben un gran no por mi parte! Así que ¿cuál es el mejor medio para trabajar en el siglo XXI? Odio decirlo, ¡Cómics! No hay un medio mejor. De hecho, nunca ha habido un medio mejor, desde las pinturas en las cuevas a los frescos en la Edad Media al trabajo en los museos, el mejor formato para un dibujante y un escritor – más allá de las películas y los dibujantes no hacen películas – son los cómics. ¿Hay un medio mejor? ¿Puede hacer un dibujante algo mejor? Absolutamente no.”
*Trabajo de alquiler. Work for Hire. Es el sistema habitual de trabajo de los creadores de cómic en las grandes compañías. Los autores firman un contrato por el que se les paga una determinada cantidad por realizar un trabajo renunciando a cualquier derecho sobre el mismo. El sistema contrario es creator-owned mediante el cuál los autores mantienen los derechos de su obra, como hacen en Image o en el sello Icon de Marvel.
**Publisher. Me he permitido mantener la palabra en inglés por la falta de una traducción adecuada en español (o mi desconocimiento de la misma). Mientras que Editor se refiere al editor tal y como lo conocemos aquí, al profesional que está en comunicación constante con lo creadores para sacar adelante un cómic, Publisher se refiere al dueño de la editorial, alguien que no trata directamente con los creadores o el producto. En Marvel Editor sería alguien como Axel Alonso o Tom Brevoort mientras que el Publisher es Dan Buckley.
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