Una semana más Tom Brevoort nos habla de comics. Esta vez sobre cómo han de afrontar los creadores clásicos los nuevos comics, sobre os bocadillos de pensamiento en los comics actuales y sobre algún que otro proyecto futuro.
Además, imágenes exclusivas de "Avengers Academy Giant Size" #1 y el nuevo proyecto de Spider-Man de Jeph Loeb y Scott Campbell.
Aquí podréis encontrar la publicación original. Que la disfrutéis.
TALK TO THE HAT: Creadores clásicos y comics desaparecidos.
Cuando llega el momento de tomar las grandes decisiones sobre las bases que sostienen el Universo Marvel, hemos de dirigirnos al experto.
El destacado editor, veterano siempre a la última, Vicepresidente Senior de Publicaciones, Tom Brevoort está de nuevo en CBR News para Marvel’s TALK TO THE HAT. Nuestra última mirada semanal a las mentes de Marvel centra su atención en Tom junto con su característico sombrero y montones de noticias, imágenes exclusivas y charla sobre comics. Todo ello anclado por las rondas regulares de preguntas y respuestas de los habitantes de los foros de CBR, cada semana Brevoort agitará un poco las cosas con extraordinarias estrellas invitadas, muestras exclusivas de arte y nuevas características interactivas.
Esta semana, Brevoort tuvo un legendario invitado especial en las oficinas de Marvel, que sirve para entablar un sustanciosa charla sobre el rol que los creadores clásicos juegan en la creación de material para nuevos comics y cómo las historias y los métodos más viejos aguantan el paso del tiempo. Además, responde a cantidad de preguntas de los fans referentes a proyectos largamente esperados como la miniserie “Killkraven” de Robert Kirkman y Rob Liefeld y el proyecto de “Spider-Man” de Jeph Loeb y J. Scott Campbell. ¡Continúa leyendo!
Kiel Phegley: Bueno, Tom, los lectores puede que no sepan esto, pero debido al hecho de que tu y yo hemos preparado este momento para hablar hoy, se que Neal Adams está en las oficinas de Marvel esta semana. ¿Algunas palabras sobre lo que estáis discutiendo?
Tom Brevoort: Hemos estado hablando con Neal sobre realizar un proyecto con nosotros, y él además va a contribuir con un surtido de portadas a lo largo de toda la línea. Así que verás el trabajo de Neal en Marvel de nuevo en un futuro cercano.
Phegley: Se que Neal recientemente hizo su regreso a los comics en DC, pero también ha trabajado en los comics animados de Marvel en los últimos años. Cuando alguien de su calibre viene a discutir un proyecto, ¿intentas encontrar proyectos que encajen con su trabajo clásico, o tratas buscar algo nuevo en lo que dejar su marca?
Brevoort: Hasta cierto punto, creo que es un poco de las dos. Sería estupido por mi parte no mirar el grueso de trabajo que alguien como Neal ha hecho en el pasado, y esto necesariamente te lleva en ciertas direcciones. El hecho de que Neal esté haciendo un proyecto de Batman para DC en estos momentos en vez de un proyecto de Aquaman no es algo sorprendente –tanto porque Batman es un personaje popular como porque Neal ha tenido una larga historia con ese personaje. Así que cuando dices “Neal Adams en Marvel” tu mente inmediatamente se va a “X-Men” y a “Los Vengadores” porque esas son las series en las que trabajó tan exitosamente hace 35 o 40 años. Dicho esto, estas no son las únicas cosas que Neal puede hacer. Él tiene un talento inmenso, así que sería imprudente por su parte encasillarse simplemente como el tipo que hizo la Guerra Kree-Skrull, y Havok y los Centinelas. Necesito estar abierto a todas las posibilidades, e incluso si estás trabajando con un creador clásico como Neal, quieres que trabaje en un proyecto que sea relevante hoy en día.
Hay una anécdota que suelo contar a menudo que me contó hace años George Perez que está relacionada con esto. Cuando George volvió a Marvel después de una ausencia de varios años y comenzó a trabajar en “El Guantelete del Infinito” y el primer o el segundo número había salido, él estaba fuera en el circuito de convenciones, y un chico joven se le acercó todo emocionado de conocerlo, con copias de “El Guantelete del Infinito” para que las firmara. El chico le dijo a George, “¡Estos son los mejores comics que he leído jamás! ¡Si sigues haciendo este tipo de trabajo, podrías ser el próximo Todd McFarlane!”. Y lo que George sacó de todo eso, una vez tuvo tiempo de apartarse y procesarlo –y fue amable con el chico porque George es amable con todo el mundo- fue que a pesar de sus muchos años en los comics, este chico jamás había leído un comic de George Perez antes. Y estaba completamente en lo cierto. Así que el hecho de que George haya hecho años de genial trabajo en “Los Vengadores” y “Los Inhumanos” y “Man-Wolf”, por no mencionar todo el material que ha hecho en DC como “Crisis” y “Titanes” y “Wonder Woman” no contaban para nada. Pero en ese momento, para ese chico, George estaba compitiendo al mismo nivel y en las mismas estanterías que los tipos que estaban haciendo los comics actuales y contemporáneos. Así que tomó eso como una especie de cumplido por parte del chico. Estaba compitiendo en 1991 con Todd McFarlane en su mejor momento. Y lo que esto demuestra es que tu pedigrí e historia es una cosa, pero cada vez que te pongas en las estanterías, estás en competición con cualquiera que esté ahí fuera hoy, y necesitas probar tus habilidades de nuevo.
Así que si Neal Adams va a hacer un comic de Batman en 2011, va a estar ahí fuera junto al próximo comic de Batman que David Finch está haciendo, y el que Toný Daniel está haciendo, y el que Jock está haciendo. Y ahora esto se está convirtiendo en demasiada publicidad para la competencia… [Carcajada]. PERO…estás compitiendo en las estanterías contra cualquier otro comic de Batman y de hecho contra cualquier otro comic en las estanterías hoy. No te puedes dormir en los laureles de tu reputación. Desde luego, un tipo como Neal Adams tiene Continuity Studios y su negocio de publicidad. Tiene un montón de otros hierros en el fuego, y no necesita hacer comics necesariamente. Pero si elige volver al campo, no va a ser juzgado por su material antiguo –aparte de que el listón puede que esté puesto más alto para él que para un artista medio. Siempre está el fenómeno fan de “Me gustaba más tu trabajo antiguo”. Pero va a ser comparado con cualquiera que esté dibujando comics hoy. Y si el todavía tiene juego –lo cual es presumible que alguien como Neal Adams todavía tenga- puede destacar y no solo simplemente basarse en las cosas que hizo 10 o 20 o 30 años atrás. Y no quiero decir que esto se trate sobre Neal exclusivamente. Lo mismo se aplica a cualquier creador clásico del pasado.
Para el lector, particularmente el lector nuevo, no se trata de la historia del creador. Se trata de lo que puedes lograr ahora. ¿Qué cosas nuevas puedes hacer? He visto a tipos dañar –no necesariamente destruir, pero dañar su leyenda un poco revisitando sus personajes o trabajos clásicos. He visto esto suceder más en el lado de los escritores que en el de los dibujantes, siendo honesto, pero cada cierto tiempo sucede a los dibujantes también. Una etapa querida es demorada y exaltada tanto que cada fan escribe durante años pidiendo, “¿Podríais conseguir a tal o cual artista para tal o cual comic de nuevo?” como ejemplo al azar, diré, “¿Podríais simplemente traer a Walt Simonson de nuevo en Thor?” y a cierto nivel, miro a eso y pienso “Eso sería genial… ¡Walt tuvo una gran etapa en Thor!” En la otra cara, la primera vez que hizo ese comic, era un título de bajo nivel, y una de las razones por las que tuvo que hacer todas las locas cosas que hizo fue porque nadie se preocupaba demasiado por ello. No era considerado tan importante. Por lo tanto Mark Gruenwald pudo decir a Walt, “Adelante. Haz Thor. Diviértete. Aparece con algunas historias locas, que remuevan las cosas y mira a ver que puedes sacar de esto.” Hoy si Walt volviera a “Thor” casi podrías escribir la reseñas del primer número ahora mismo. “Fue bonito y algo nostálgico, pero realmente no tenía la energía de la época de su viejo material”, y hablarían de todas las cosas que no pueden ser en virtud del hecho de ser X número de años después. Los tiempos han cambiado, y cada creador que ha trabajado en Thor desde la era de Walt fue en cierta manera influenciado por lo que él hizo ahí, y construido sobre eso. Y francamente, incluso si ese imaginario nuevo número de “Thor” que Walt no está haciendo pudiera ser tan bueno o mejor que su primera etapa, iba a ser juzgado con los ojos de la nostalgia. No estarías leyendo eso como un joven de 12, 15 o 18 años. Estarías leyendo eso como alguien que ama esos comics de hace 25 años. Eso no significa que el nuevo lanzamiento no valga para ti, pero estadísticamente hablando a lo largo de todo el ancho de banda de los lectores, va a haber lectores que estén disgustados.
No tienes que buscar mucho. Elige a un creador que haya estado haciendo un trabajo durante un cierto tiempo, y encontrarás el mantra de “Tu trabajo antiguo era mejor” independientemente de cómo de bueno, malo o indiferente sea su trabajo actual. Lo que realmente estás tratando de recuperar es ese momento perfecto en el tiempo cuando un comic o serie seminal salió –aquel que explotó tu imaginación y creo ese amor y buena voluntad entre tú y los personajes. He estado diciendo durante mucho tiempo online –y he conseguido que un puñado de fans de ciertos creadores se enfaden conmigo y piensen que los estoy señalando con el dedo directamente a ellos o marcando como meta en mi vida el ignorar a un equipo creativo particular- que quiero y necesito estar mas centrado en crear los grandes, clásicos, paradigmáticas etapas creativas de mañana que en tratar de recrear las grandes comics del pasado. Elige a tu equipo creativo. Podría poner a Walt Simonson de nuevo en “Thor”, y ¿Sería mejor que su etapa previa? Desde un punto de vista técnico podría ser. Es de suponer que Walt haya conseguido más experiencia como narrador ahora de la que tenía entonces. Pero simplemente no podría ser tan memorable. El peso que esa primera etapa proyectaría una inminente sombra sobre cada número. Hacer eso no podría ayudar.
Phegley: A pesar de que estoy de acuerdo contigo en mucho de lo que estás diciendo, no puedo evitar pensar que como negocio ha de haber un impulso competitivo para una editorial como Marvel. Se que una crítica a menudo citada sobre los comics es que los lectores son todos gente mayor, pero se por los paneles en las conferencias de, digamos, Carmine Infantino, que hay un montón de fans mas mayores que son muy ruidosos sobre el hecho de que ODIAN las historias nuevas que salen. ¿No crea y lanza Marvel productos más orientados a ellos? Me viene a la mente “X-Men Forever” de Chris Claremont. ¿Hay alguna diferencia en la aproximación a un comic que es para un segmento diferente de la audiencia?
Brevoort: Bien, obviamente estamos abiertos a intentar cualquier cosa. Cosas diferentes pueden tener sentido en momentos diferentes. En el caso de “X-Men Forever”, el intento no fue tanto “Hagamos un comic que apunte al segmento mayor de la audiencia” cuanto “Dejemos a Chris que muestre lo que puede hacer sin la camisa de fuerza”. No estoy diciendo nada que nadie sepa cuando digo que Chris ha vuelto a los X-Men varias veces desde que los dejó en 1991, y siempre queda claro cuando lees sus entrevistas –ya sea leyendo entre líneas o leyendo exactamente lo que dice- que no se siente completamente cómodo con todos los sucesos que han ocurrido a los personajes desde entonces. Algunos personajes y argumentos derivaron en direcciones que él no habría hecho. Pero esas historias han ocurrido, esos eventos han tenido lugar, y si va a escribir una historia de los X-Men en la continuidad actual, ha de lidiar con ello. Es lo mismo que si uno de sus predecesores, digamos Roy Thomas, hubiera vuelto en 1980 –habría tenido que escribir historias sobre Tormenta, Lobezno y Rondador Nocturno. Y Chris volvió varias veces y lo hizo bastante bien. “X-Treme X-Men” fue una serie bastante exitosa. Tuvo etapas en La Patrulla y en X-Men antes de eso y volvió a la Patrulla después. Pero siempre parecía como si algo no encajara en su sitio durante aquellas etapas. Así que buscando otra opción, lanzamos la idea de “¿Y si le damos a Chris un comic en donde pueda tener todos los juguetes de la forma en la que los dejó y pudiera contar cualquier historia de los X-Men que quisiera contar?” Porque el otro problema de hacer La Patrulla en la línea actual es que hay al menos otros tres comics de X-Men, y otros creadores están involucrados con muchos de los personajes.
Así que en ese caso, no fue tan específicamente “Hagamos un comic orientado hacía la audiencia más mayor”. Sin duda ese comic estaba orientado hacia los fans de Claremont, y quizás ese grupo esté constituido más por los lectores más mayores porque han pasado muchos años, pero no es como si nos sentáramos y dijéramos “Hagamos este comic solamente orientado hacia esa gente”. Y cuando expandimos la línea “Forever” con Chris y Louise Simonson, nada de eso fue diseñado como “Hagamos cosas para los tipos más mayores”
No estoy exactamente seguro de cómo conseguirías recuperar a esa audiencia o cómo los harías felices porque no creo que esa audiencia –y puedo estar equivocado- pero mi instinto ha visto hablando a esos tipos sobre esto y están igual de implicados en la cuasi-pseudo mitología de nuestro universo como cualquiera. Y no serían felices con “Forever” porque no es “el auténtico X-Men”. Lo que realmente quieren es que el “auténtico” comic de X-Men se lea igual que lo hacía hace 20 años, o el “auténtico” comic del Capitán América, o el “auténtico” comic de Los 4 Fantásticos. Así que quizás saldrían a por un comic de Los 4 Fantásticos o un comic del Capi que se apartara un poco y tomara una aproximación más clásica, pero incluso entonces no se si hay una consistencia absoluta en lo que quieren. Tomando X-Men como ejemplo, ¿Qué época les gustaría emular? ¿Quieren emular a Chris y John [Byrne] haciendo “La Saga de Fénix Oscura”, o quieren emular a Chris y a Johnny [Romita] haciendo “El Juicio de Magneto”, o quieren emular a Chris y a Marc Silvestri haciendo X-Men en Australia? Chris escribió X-Men durante mucho tiempo con un montón de dibujantes diferentes, y diferentes lectores tienen una fuerte conexión con una parte u otra de todo ello. Hubo un punto en el que dejé de leer X-Men porque dejó de resultar atractivo para mí, que es también un punto que muchos de los fans abrazan como “la mejor época de los X-Men”. Y hay un punto después en donde una cierta parte de la audiencia llegó y tuvo una autentica conexión con esa época de narración, que a los tipos de antes no les gustó tanto. Y así sucesivamente. Chris y los diferentes editores y dibujantes con los que trabajó reinventaron esa serie casi una docena de veces durante su permanencia. Así que incluso entonces, decir que ibas a recrear la etapa clásica implicaba la cuestión de “¿Qué etapa clásica?”
De nuevo, creo que lo que esos lectores están anhelando es lo mismo de lo que he hablado contigo antes –los días en los que podías ir a la tienda de la esquina con un cuarto de dólar y comprar un comic y un caramelo y leer tu emocionante comic Marvel para entrar en ese mundo de ficción. Y no hay ni un trozo de diario pulp que pueda hacerte tener 8 años de nuevo. Hay ciertas aproximaciones estilísticas y tropos que puedes emplear en tu narrativa, pero personalmente encuentro muy artificial todo eso. Muchos de los tipos que han intentado hacer historias nostálgicas o imitaciones satíricas al estilo de lo que se hacía entonces –estoy pensando en “1963” de Alan Moore- funcionan mucho mejor para mí como sátira y crónica que como comics de esa época. Estaban bien informados y claramente lo hacían de forma irónica. Eran conscientes de lo que estaban haciendo, y el artificio es demasiado pesado para aceptar el trabajo como un comic normal. No estoy seguro de si es posible crear hoy un comic de 1975 o 1985 porque el mundo no es como era en 1975 o 1985. Los sellos distintivos de la narrativa tienden a permanecer consistentes, aunque los estilos narrativos y los gustos de los lectores avanzan y evolucionan. Tan solo es el paso del tiempo.
Así que para aquellos tipos sentados tras el panel de Carmine, me encantaría tenerlos de vuelta. Lo mejor de todo esto es que nuestro negocio de recopilaciones ha explotado del modo en que lo ha hecho. Hay más material que nunca de ese periodo que pueden elegir fácilmente. En toda mi vida, nunca habría creído que iba a haber un Omnibus en tapa dura de “Devil Dinosaur”. [Carcajada] ¡En cierto modo me parece algo loco! Yo mismo tengo uno, y es genial, pero también como “¡Wow! Coleccionamos casi cualquier cosa de un cierto periodo porque hay una audiencia que lo quiere ya sea por nostalgia o simplemente porque les encanta.” Lo se por mí mismo, voy a la tienda cada semana, y mucho de lo que cojo o al menos un porcentaje decente de ello son viejas recopilaciones de algún tipo. Ya sea antiguo material superheroico de Marvel o DC o recopilaciones de tiras de prensa de los años ’30 y ’40 o las revistas TwoTomorrows que hablan de la historia de los comics. Eso no quiere decir que no compre comics nuevos también, pero en términos de dólares gastados, muchos se van al material más antiguo. Y la gente debería ser capaz de salir y comprar los comics que les gustan.
Phegley: Hablando de los cambios en la narrativa, esto es un poco tópico, pero he acabado pensando mucho este pasado fin de semana sobre los bocadillos de pensamiento. Hemos oído demasiadas veces que los comics ya no necesitan bocadillos de pensamiento debido a la prevalencia de los recuadros de diálogo, pero incluso un recuadro de diálogo en primera persona no actúa en el momento para un personaje de la misma forma en la que lo hace un bocadillo de pensamiento. En cierta forma, los bocadillos son más limitados, pero deberían ser capaces de proporcionar un efecto diferente si se usan bien.
Brevoort: Creo que es cuestión de estilo. Estás completamente en lo cierto en cuanto a que incluso los recuadros narrados en primera persona no funcionan de la misma forma que los bocadillos. No pueden hacer exactamente el mismo trabajo o darte el mismo efecto. No tengo ninguna postura en particular en lo referente a los bocadillos de pensamiento en un sentido u otro. No me preocupo por ellos cuando funcionan, no me gustan cuando no funcionan. Lo mismo ocurre con los recuadros de diálogo –narrativos, primera persona, segunda persona o tercera persona. Funciona cuando funciona. Creo que tienes razón, pero creo que particularmente los bocadillos de pensamiento y esencialmente los bocadillos de pensamiento al estilo Marvel de la manera en la que fueron introducidos de forma pionera por Stan y luego quizás fueron destrozados por un montón de tipos durante los ’70 y los ’80 han pasado de moda. Solían ser directamente mecanismos de exposición mas que otra cosa. Te permitían entender al personaje y su personalidad, pero para lo que realmente estaban ahí era para contarte cosas que no eran inmediatamente visible en las viñetas, o lo que los personajes estaban sintiendo de la forma más directa posible. “Estoy furioso. Estoy disgustado. Estoy triste. Estoy decidido”. Es una forma muy directa de comunicar la caracterización, pero es también muy poco sofisticada.
Mientras que la demanda de que la narrativa se hiciera más sofisticada creció, tipos como Frank Miller fundaban otra forma de abordar eso –tiendo a pensar en Frank como en el tipo del póster para los recuadros narrativos, incluso aunque no estoy seguro de que fuera él el primero en usarlos. Pero es cuando los usó en “Daredevil” cuando ganaron popularidad. Ayudaron a crear la ambientación de cine negro que la gente buscaba, y se convirtieron en la moda – casi al estilo de Raymond Chandler. Era “Empujé a la dama y le endosé mi gato” solo en la forma de hablar de Daredevil. Y eso se convirtió en la forma a través de la que entrabas en esas emociones y pensamientos pero a un nivel menos directo de modo que pudiera haber ciertos matices. Mientras nos adentramos más en los tiempos modernos, estamos tomando más ideas del cine y las películas, y estamos más inclinados a dejar que el espacio vacío cuente la historia y permita a los lectores tapar los huecos por sí mismos basándose en el lenguaje corporal del personaje y el ritmo del tiempo en la página. No creemos que todo deba llevar puesta una etiqueta. Si Spider-Man o el Capitán América se siente triste o decidido o colérico o lo que sea, lo verías reflejado de la misma forma en la que un actor lo haría en el cine o en televisión o en el escenario mejor que con un gran bocadillo de pensamiento que diga “¡Él mató a mi novia y estoy tan triste o colérico o enfadado!”.
Pienso también que los bocadillos de pensamiento sufrieron el impacto de la moda. Creo que el bocadillo de pensamiento fue uno de esos tropos de la narrativa del comic de los que nos sentíamos algo avergonzados como comunidad. La razón para ello tiene menos que ver con la manera en la que los hemos usado y más con cómo otros los han usado. Es igual que “¡Zap! ¡Pow!” se ha convertido en algo odioso porque estaba en cada titular sobre comics en cada periódico durante 30 años. Uno de los elementos gráficos que cada historia de noticias o incursión de los tabloides o artículo de revista que hablaba sobre comics usaría era siempre un bocadillo de pensamiento mal rotulado y con palabras ridículas. Para la persona media que no tiene contacto con nuestro medio, eso es lo que un comic era. A base de repetir eso, nos hacía parecer más cursis e infantiles de lo que queríamos parecer mientras entrábamos en los ’80 y en los ’90 y más adelante.
No hay respuestas correctas o incorrectas. Todo esto son colores en tu paleta o herramientas en tu caja de herramientas, y cada creador dado puede ir y hacer cosas interesantes con ellas. Brian [Bendis] experimentó con los bocadillos de pensamiento en “Los Poderosos Vengadores”, y a alguna gente le gusto y a otros no. Trató de usarlos menos como “Voy a decirte exactamente que está pensando cada personaje ahora en un gran bocadillo”, sino en cambio de una forma muy fragmentada, muy breve, casi al estilo “Pop-Up Video” mostrando lo que un personaje estaba sintiendo frente a lo que estaba diciendo. Me pareció que era una aproximación interesante a la técnica, y jugó con ella durante un tiempo, pero acabó consiguiendo más comentarios curiosos que cumplidos. Cuando mencionó “Voy a traer de vuelta los bocadillos de pensamiento en ‘Los Poderosos Vengadores’”, todos aquellos tipos tras el panel de Carmine Infantino pensaron “Oh, va a escribir a Los Vengadores de la forma en la que se escribían en 1975”, y no quedaron particularmente satisfechos con la forma en la que realmente uso ese elemento del lenguaje del comic. Y no se si eso resultaba tan natural para él, así que se movió a otras cosas. Mañana, algún otro podría aparecer con una nueva forma de usar el bocadillo de pensamiento, y será genial, y de repente será la nueva tendencia de moda. Seguramente si alguien como Alan Moore apareciese e hiciese un comic que fuera 90% bocadillos de pensamiento, habría 20 imitadores seis meses después.
Phegley: Una última cosa sobre la que quería preguntarte era que había visto en las solicitudes de Mayo que finalmente vais a sacar el que ahora se llama “Avengers Academy Giant Size” #1 de Paul Tobin que había sido anunciado como un proyecto en un formato diferente de anuales. Ha habido algunos otros comics de Marvel como este que han sido cambiados de formato desde el anuncio hasta la publicación. ¿Qué factores causan estos cambios? ¿Es simplemente mirar la tendencia de ventas de otros comics, o hay factores de calendario que necesitan reposicionamiento?
Brevoort: Es normalmente más lo primero que lo último, pero siempre tiene que ver con la cuestión de cuál es la mejor manera de sacar la historia al mundo en la forma en que el mercado vaya a acogerla. Cuando comenzamos a trabajar en esas historias de Paul Tobin como anuales, por una cosa todos esos comics todavía existen [risas]. Así que la idea de que habría un anual de “Young Allies” hizo que tuviera un poco más de sentido dentro de ese contexto. Pero más allá de eso, en los últimos seis meses hemos visto como el mundo ha cambiado y como el mercado ha cambiado, y estamos tratando de ajustar cómo publicamos nuestro material y qué publicamos. Hemos hablado de esto en las semanas pasadas, cómo hemos estado intentando sacar menos series limitadas y especiales y concentrarnos más en los títulos centrales. La gente realmente nos hace llegar el mensaje de que se sienten como si se estuvieran ahogando en comics del Capi y de Thor relacionados con los estrenos de las películas. Y por tanto, estamos reaccionando a todo eso del modo en el que estamos reformulando las cosas.
Pero más que nada, es una cuestión de qué pensamos que va a funcionar mejor. Como negocio, queremos hacer el mayor de nuestros esfuerzos y maximizar el número de miradas y el número de dólares que todo el mundo –incluyendo a los vendedores- gana. No tiene sentido sacar buenos comics que se quedan en las tiendas. En el caso de esos anuales, hemos pasado por dos o quizás tres versiones antes de acabar en esta, y mucho de ello fue en reacción a donde parecía estar el mercado en cada momento particular. En esos casos, tendemos a tomar nuestras ideas de David Gabriel y su Departamento de Ventas que están más directamente en contacto casi diario con los vendedores y lo que esos tipos están diciendo que funciona y no funciona en sus tiendas. En ningún momento pensamos que la historia que Paul está contando en esos tres anuales ahora convertidos en un único Giant Size no fuera genial. La cuestión era “¿Cómo publicamos este material de una forma que nos permita ganar el dinero y a los vendedores ganar el dinero que necesitan ganar sin hacer sentir al aficionado como si estuviéramos robándole la cartera?”. Con suerte, el producto con el que hemos acabado, un tremendo exitazo de 80 páginas, lo conseguirá. Y si funciona, sabremos que es un formato viable para esas cosas. Y si no, entonces apareceremos con otra cosa distinta la próxima vez.
Pero estamos constantemente teniendo que reorientar y ajustar lo que hacemos específicamente debido a una de las cosas que hablamos la semana pasada: que Marvel funciona bajo el principio de que cada comic ha de aguantar su propio peso y ganarse su terreno. Así que para cualquier cosa que huela incluso un poco como si pudiera no ser rentable o recuperar lo invertido, necesitamos mirarla y encontrar una manera de reencauzarla para que lo haga. Esa es la razón más que las fechas. Los problemas con las fechas ocurren todo el tiempo, y la mayoría de la gente nunca es consciente de ello. Vosotros estáis reaccionando a proyectos cuando los veis en el listado de solicitudes de Mayo o de cuando sea, y nosotros estamos reaccionando a proyectos que sabemos que tenemos en el canal de distribución para ver impresos durante el próximo año o año y medio. Estamos constantemente deslizándonos sobre cuándo va a salir el Proyecto A con respecto al proyecto B para la mejor coordinación en términos de historia, o presupuestarios cuando tenemos un mes en donde demasiado o no suficiente material está saliendo.
Phegley: Para cerrar esta semana con algunas preguntas de los fans sobre este mismo tema, no se si la viste, pero tuvimos una entrevista con Rob Liefeld esta semana en la que habló de que ya tenía acabada su contribución a la anunciada serie de “Killkraven” escrita por Robert Kirkman. Varias personas han escrito desde entonces preguntando si el proyecto está completamente terminado ahora y cuándo verá la luz del día. ¿Qué dices?
Brevoort: Voy a tener que investigar esto un poco más, pero hasta donde puedo decir, mientras que Rob puede tener acabada su contribución al proyecto, no creo que tengamos todas las páginas en las manos todavía. Incluso entonces, necesitaremos tener la serie rotulada y coloreada, y entonces pensar cuál sería el mejor momento para publicarla. ¡Así que continuad conectados para más noticias en cuanto las consiga!
Phegley: Continuando con eso, el usuario matthew2k10 preguntó “¿Cuál es el estatus del proyecto de Spider-Man de Jeph Loeb y J. Scott Campbell?
Brevoort: Aun se está trabajando en ello, lento pero seguro, Matthew –¡y aquí hay una página de muestra del segundo número para probarlo! Es curioso, pero los aficionados nos piden todo el tiempo tener series como esta acabadas o casi acabadas antes de publicarlas y cuando tratamos de hacerlo, otros lectores se impacientan. Pero es nuestra culpa, espero, por emocionar sobre esos proyectos y querer mostrarlos y anunciarlos tan pronto.
Phegley: Y continúa preguntando, “¿Qué hay del estatus de ‘Captain America: White’”?
Brevoort: También se está trabajando en ello. Pero no tengo ninguna página de dibujo que pueda mostraros, lo siento.
Además, imágenes exclusivas de "Avengers Academy Giant Size" #1 y el nuevo proyecto de Spider-Man de Jeph Loeb y Scott Campbell.
Aquí podréis encontrar la publicación original. Que la disfrutéis.
TALK TO THE HAT: Creadores clásicos y comics desaparecidos.
Cuando llega el momento de tomar las grandes decisiones sobre las bases que sostienen el Universo Marvel, hemos de dirigirnos al experto.
El destacado editor, veterano siempre a la última, Vicepresidente Senior de Publicaciones, Tom Brevoort está de nuevo en CBR News para Marvel’s TALK TO THE HAT. Nuestra última mirada semanal a las mentes de Marvel centra su atención en Tom junto con su característico sombrero y montones de noticias, imágenes exclusivas y charla sobre comics. Todo ello anclado por las rondas regulares de preguntas y respuestas de los habitantes de los foros de CBR, cada semana Brevoort agitará un poco las cosas con extraordinarias estrellas invitadas, muestras exclusivas de arte y nuevas características interactivas.Esta semana, Brevoort tuvo un legendario invitado especial en las oficinas de Marvel, que sirve para entablar un sustanciosa charla sobre el rol que los creadores clásicos juegan en la creación de material para nuevos comics y cómo las historias y los métodos más viejos aguantan el paso del tiempo. Además, responde a cantidad de preguntas de los fans referentes a proyectos largamente esperados como la miniserie “Killkraven” de Robert Kirkman y Rob Liefeld y el proyecto de “Spider-Man” de Jeph Loeb y J. Scott Campbell. ¡Continúa leyendo!
Kiel Phegley: Bueno, Tom, los lectores puede que no sepan esto, pero debido al hecho de que tu y yo hemos preparado este momento para hablar hoy, se que Neal Adams está en las oficinas de Marvel esta semana. ¿Algunas palabras sobre lo que estáis discutiendo?
Tom Brevoort: Hemos estado hablando con Neal sobre realizar un proyecto con nosotros, y él además va a contribuir con un surtido de portadas a lo largo de toda la línea. Así que verás el trabajo de Neal en Marvel de nuevo en un futuro cercano.
Phegley: Se que Neal recientemente hizo su regreso a los comics en DC, pero también ha trabajado en los comics animados de Marvel en los últimos años. Cuando alguien de su calibre viene a discutir un proyecto, ¿intentas encontrar proyectos que encajen con su trabajo clásico, o tratas buscar algo nuevo en lo que dejar su marca?
Brevoort: Hasta cierto punto, creo que es un poco de las dos. Sería estupido por mi parte no mirar el grueso de trabajo que alguien como Neal ha hecho en el pasado, y esto necesariamente te lleva en ciertas direcciones. El hecho de que Neal esté haciendo un proyecto de Batman para DC en estos momentos en vez de un proyecto de Aquaman no es algo sorprendente –tanto porque Batman es un personaje popular como porque Neal ha tenido una larga historia con ese personaje. Así que cuando dices “Neal Adams en Marvel” tu mente inmediatamente se va a “X-Men” y a “Los Vengadores” porque esas son las series en las que trabajó tan exitosamente hace 35 o 40 años. Dicho esto, estas no son las únicas cosas que Neal puede hacer. Él tiene un talento inmenso, así que sería imprudente por su parte encasillarse simplemente como el tipo que hizo la Guerra Kree-Skrull, y Havok y los Centinelas. Necesito estar abierto a todas las posibilidades, e incluso si estás trabajando con un creador clásico como Neal, quieres que trabaje en un proyecto que sea relevante hoy en día.
Hay una anécdota que suelo contar a menudo que me contó hace años George Perez que está relacionada con esto. Cuando George volvió a Marvel después de una ausencia de varios años y comenzó a trabajar en “El Guantelete del Infinito” y el primer o el segundo número había salido, él estaba fuera en el circuito de convenciones, y un chico joven se le acercó todo emocionado de conocerlo, con copias de “El Guantelete del Infinito” para que las firmara. El chico le dijo a George, “¡Estos son los mejores comics que he leído jamás! ¡Si sigues haciendo este tipo de trabajo, podrías ser el próximo Todd McFarlane!”. Y lo que George sacó de todo eso, una vez tuvo tiempo de apartarse y procesarlo –y fue amable con el chico porque George es amable con todo el mundo- fue que a pesar de sus muchos años en los comics, este chico jamás había leído un comic de George Perez antes. Y estaba completamente en lo cierto. Así que el hecho de que George haya hecho años de genial trabajo en “Los Vengadores” y “Los Inhumanos” y “Man-Wolf”, por no mencionar todo el material que ha hecho en DC como “Crisis” y “Titanes” y “Wonder Woman” no contaban para nada. Pero en ese momento, para ese chico, George estaba compitiendo al mismo nivel y en las mismas estanterías que los tipos que estaban haciendo los comics actuales y contemporáneos. Así que tomó eso como una especie de cumplido por parte del chico. Estaba compitiendo en 1991 con Todd McFarlane en su mejor momento. Y lo que esto demuestra es que tu pedigrí e historia es una cosa, pero cada vez que te pongas en las estanterías, estás en competición con cualquiera que esté ahí fuera hoy, y necesitas probar tus habilidades de nuevo.Así que si Neal Adams va a hacer un comic de Batman en 2011, va a estar ahí fuera junto al próximo comic de Batman que David Finch está haciendo, y el que Toný Daniel está haciendo, y el que Jock está haciendo. Y ahora esto se está convirtiendo en demasiada publicidad para la competencia… [Carcajada]. PERO…estás compitiendo en las estanterías contra cualquier otro comic de Batman y de hecho contra cualquier otro comic en las estanterías hoy. No te puedes dormir en los laureles de tu reputación. Desde luego, un tipo como Neal Adams tiene Continuity Studios y su negocio de publicidad. Tiene un montón de otros hierros en el fuego, y no necesita hacer comics necesariamente. Pero si elige volver al campo, no va a ser juzgado por su material antiguo –aparte de que el listón puede que esté puesto más alto para él que para un artista medio. Siempre está el fenómeno fan de “Me gustaba más tu trabajo antiguo”. Pero va a ser comparado con cualquiera que esté dibujando comics hoy. Y si el todavía tiene juego –lo cual es presumible que alguien como Neal Adams todavía tenga- puede destacar y no solo simplemente basarse en las cosas que hizo 10 o 20 o 30 años atrás. Y no quiero decir que esto se trate sobre Neal exclusivamente. Lo mismo se aplica a cualquier creador clásico del pasado.
Para el lector, particularmente el lector nuevo, no se trata de la historia del creador. Se trata de lo que puedes lograr ahora. ¿Qué cosas nuevas puedes hacer? He visto a tipos dañar –no necesariamente destruir, pero dañar su leyenda un poco revisitando sus personajes o trabajos clásicos. He visto esto suceder más en el lado de los escritores que en el de los dibujantes, siendo honesto, pero cada cierto tiempo sucede a los dibujantes también. Una etapa querida es demorada y exaltada tanto que cada fan escribe durante años pidiendo, “¿Podríais conseguir a tal o cual artista para tal o cual comic de nuevo?” como ejemplo al azar, diré, “¿Podríais simplemente traer a Walt Simonson de nuevo en Thor?” y a cierto nivel, miro a eso y pienso “Eso sería genial… ¡Walt tuvo una gran etapa en Thor!” En la otra cara, la primera vez que hizo ese comic, era un título de bajo nivel, y una de las razones por las que tuvo que hacer todas las locas cosas que hizo fue porque nadie se preocupaba demasiado por ello. No era considerado tan importante. Por lo tanto Mark Gruenwald pudo decir a Walt, “Adelante. Haz Thor. Diviértete. Aparece con algunas historias locas, que remuevan las cosas y mira a ver que puedes sacar de esto.” Hoy si Walt volviera a “Thor” casi podrías escribir la reseñas del primer número ahora mismo. “Fue bonito y algo nostálgico, pero realmente no tenía la energía de la época de su viejo material”, y hablarían de todas las cosas que no pueden ser en virtud del hecho de ser X número de años después. Los tiempos han cambiado, y cada creador que ha trabajado en Thor desde la era de Walt fue en cierta manera influenciado por lo que él hizo ahí, y construido sobre eso. Y francamente, incluso si ese imaginario nuevo número de “Thor” que Walt no está haciendo pudiera ser tan bueno o mejor que su primera etapa, iba a ser juzgado con los ojos de la nostalgia. No estarías leyendo eso como un joven de 12, 15 o 18 años. Estarías leyendo eso como alguien que ama esos comics de hace 25 años. Eso no significa que el nuevo lanzamiento no valga para ti, pero estadísticamente hablando a lo largo de todo el ancho de banda de los lectores, va a haber lectores que estén disgustados.
No tienes que buscar mucho. Elige a un creador que haya estado haciendo un trabajo durante un cierto tiempo, y encontrarás el mantra de “Tu trabajo antiguo era mejor” independientemente de cómo de bueno, malo o indiferente sea su trabajo actual. Lo que realmente estás tratando de recuperar es ese momento perfecto en el tiempo cuando un comic o serie seminal salió –aquel que explotó tu imaginación y creo ese amor y buena voluntad entre tú y los personajes. He estado diciendo durante mucho tiempo online –y he conseguido que un puñado de fans de ciertos creadores se enfaden conmigo y piensen que los estoy señalando con el dedo directamente a ellos o marcando como meta en mi vida el ignorar a un equipo creativo particular- que quiero y necesito estar mas centrado en crear los grandes, clásicos, paradigmáticas etapas creativas de mañana que en tratar de recrear las grandes comics del pasado. Elige a tu equipo creativo. Podría poner a Walt Simonson de nuevo en “Thor”, y ¿Sería mejor que su etapa previa? Desde un punto de vista técnico podría ser. Es de suponer que Walt haya conseguido más experiencia como narrador ahora de la que tenía entonces. Pero simplemente no podría ser tan memorable. El peso que esa primera etapa proyectaría una inminente sombra sobre cada número. Hacer eso no podría ayudar.
Phegley: A pesar de que estoy de acuerdo contigo en mucho de lo que estás diciendo, no puedo evitar pensar que como negocio ha de haber un impulso competitivo para una editorial como Marvel. Se que una crítica a menudo citada sobre los comics es que los lectores son todos gente mayor, pero se por los paneles en las conferencias de, digamos, Carmine Infantino, que hay un montón de fans mas mayores que son muy ruidosos sobre el hecho de que ODIAN las historias nuevas que salen. ¿No crea y lanza Marvel productos más orientados a ellos? Me viene a la mente “X-Men Forever” de Chris Claremont. ¿Hay alguna diferencia en la aproximación a un comic que es para un segmento diferente de la audiencia?
Brevoort: Bien, obviamente estamos abiertos a intentar cualquier cosa. Cosas diferentes pueden tener sentido en momentos diferentes. En el caso de “X-Men Forever”, el intento no fue tanto “Hagamos un comic que apunte al segmento mayor de la audiencia” cuanto “Dejemos a Chris que muestre lo que puede hacer sin la camisa de fuerza”. No estoy diciendo nada que nadie sepa cuando digo que Chris ha vuelto a los X-Men varias veces desde que los dejó en 1991, y siempre queda claro cuando lees sus entrevistas –ya sea leyendo entre líneas o leyendo exactamente lo que dice- que no se siente completamente cómodo con todos los sucesos que han ocurrido a los personajes desde entonces. Algunos personajes y argumentos derivaron en direcciones que él no habría hecho. Pero esas historias han ocurrido, esos eventos han tenido lugar, y si va a escribir una historia de los X-Men en la continuidad actual, ha de lidiar con ello. Es lo mismo que si uno de sus predecesores, digamos Roy Thomas, hubiera vuelto en 1980 –habría tenido que escribir historias sobre Tormenta, Lobezno y Rondador Nocturno. Y Chris volvió varias veces y lo hizo bastante bien. “X-Treme X-Men” fue una serie bastante exitosa. Tuvo etapas en La Patrulla y en X-Men antes de eso y volvió a la Patrulla después. Pero siempre parecía como si algo no encajara en su sitio durante aquellas etapas. Así que buscando otra opción, lanzamos la idea de “¿Y si le damos a Chris un comic en donde pueda tener todos los juguetes de la forma en la que los dejó y pudiera contar cualquier historia de los X-Men que quisiera contar?” Porque el otro problema de hacer La Patrulla en la línea actual es que hay al menos otros tres comics de X-Men, y otros creadores están involucrados con muchos de los personajes.Así que en ese caso, no fue tan específicamente “Hagamos un comic orientado hacía la audiencia más mayor”. Sin duda ese comic estaba orientado hacia los fans de Claremont, y quizás ese grupo esté constituido más por los lectores más mayores porque han pasado muchos años, pero no es como si nos sentáramos y dijéramos “Hagamos este comic solamente orientado hacia esa gente”. Y cuando expandimos la línea “Forever” con Chris y Louise Simonson, nada de eso fue diseñado como “Hagamos cosas para los tipos más mayores”
No estoy exactamente seguro de cómo conseguirías recuperar a esa audiencia o cómo los harías felices porque no creo que esa audiencia –y puedo estar equivocado- pero mi instinto ha visto hablando a esos tipos sobre esto y están igual de implicados en la cuasi-pseudo mitología de nuestro universo como cualquiera. Y no serían felices con “Forever” porque no es “el auténtico X-Men”. Lo que realmente quieren es que el “auténtico” comic de X-Men se lea igual que lo hacía hace 20 años, o el “auténtico” comic del Capitán América, o el “auténtico” comic de Los 4 Fantásticos. Así que quizás saldrían a por un comic de Los 4 Fantásticos o un comic del Capi que se apartara un poco y tomara una aproximación más clásica, pero incluso entonces no se si hay una consistencia absoluta en lo que quieren. Tomando X-Men como ejemplo, ¿Qué época les gustaría emular? ¿Quieren emular a Chris y John [Byrne] haciendo “La Saga de Fénix Oscura”, o quieren emular a Chris y a Johnny [Romita] haciendo “El Juicio de Magneto”, o quieren emular a Chris y a Marc Silvestri haciendo X-Men en Australia? Chris escribió X-Men durante mucho tiempo con un montón de dibujantes diferentes, y diferentes lectores tienen una fuerte conexión con una parte u otra de todo ello. Hubo un punto en el que dejé de leer X-Men porque dejó de resultar atractivo para mí, que es también un punto que muchos de los fans abrazan como “la mejor época de los X-Men”. Y hay un punto después en donde una cierta parte de la audiencia llegó y tuvo una autentica conexión con esa época de narración, que a los tipos de antes no les gustó tanto. Y así sucesivamente. Chris y los diferentes editores y dibujantes con los que trabajó reinventaron esa serie casi una docena de veces durante su permanencia. Así que incluso entonces, decir que ibas a recrear la etapa clásica implicaba la cuestión de “¿Qué etapa clásica?”
De nuevo, creo que lo que esos lectores están anhelando es lo mismo de lo que he hablado contigo antes –los días en los que podías ir a la tienda de la esquina con un cuarto de dólar y comprar un comic y un caramelo y leer tu emocionante comic Marvel para entrar en ese mundo de ficción. Y no hay ni un trozo de diario pulp que pueda hacerte tener 8 años de nuevo. Hay ciertas aproximaciones estilísticas y tropos que puedes emplear en tu narrativa, pero personalmente encuentro muy artificial todo eso. Muchos de los tipos que han intentado hacer historias nostálgicas o imitaciones satíricas al estilo de lo que se hacía entonces –estoy pensando en “1963” de Alan Moore- funcionan mucho mejor para mí como sátira y crónica que como comics de esa época. Estaban bien informados y claramente lo hacían de forma irónica. Eran conscientes de lo que estaban haciendo, y el artificio es demasiado pesado para aceptar el trabajo como un comic normal. No estoy seguro de si es posible crear hoy un comic de 1975 o 1985 porque el mundo no es como era en 1975 o 1985. Los sellos distintivos de la narrativa tienden a permanecer consistentes, aunque los estilos narrativos y los gustos de los lectores avanzan y evolucionan. Tan solo es el paso del tiempo.
Así que para aquellos tipos sentados tras el panel de Carmine, me encantaría tenerlos de vuelta. Lo mejor de todo esto es que nuestro negocio de recopilaciones ha explotado del modo en que lo ha hecho. Hay más material que nunca de ese periodo que pueden elegir fácilmente. En toda mi vida, nunca habría creído que iba a haber un Omnibus en tapa dura de “Devil Dinosaur”. [Carcajada] ¡En cierto modo me parece algo loco! Yo mismo tengo uno, y es genial, pero también como “¡Wow! Coleccionamos casi cualquier cosa de un cierto periodo porque hay una audiencia que lo quiere ya sea por nostalgia o simplemente porque les encanta.” Lo se por mí mismo, voy a la tienda cada semana, y mucho de lo que cojo o al menos un porcentaje decente de ello son viejas recopilaciones de algún tipo. Ya sea antiguo material superheroico de Marvel o DC o recopilaciones de tiras de prensa de los años ’30 y ’40 o las revistas TwoTomorrows que hablan de la historia de los comics. Eso no quiere decir que no compre comics nuevos también, pero en términos de dólares gastados, muchos se van al material más antiguo. Y la gente debería ser capaz de salir y comprar los comics que les gustan.
Phegley: Hablando de los cambios en la narrativa, esto es un poco tópico, pero he acabado pensando mucho este pasado fin de semana sobre los bocadillos de pensamiento. Hemos oído demasiadas veces que los comics ya no necesitan bocadillos de pensamiento debido a la prevalencia de los recuadros de diálogo, pero incluso un recuadro de diálogo en primera persona no actúa en el momento para un personaje de la misma forma en la que lo hace un bocadillo de pensamiento. En cierta forma, los bocadillos son más limitados, pero deberían ser capaces de proporcionar un efecto diferente si se usan bien.
Brevoort: Creo que es cuestión de estilo. Estás completamente en lo cierto en cuanto a que incluso los recuadros narrados en primera persona no funcionan de la misma forma que los bocadillos. No pueden hacer exactamente el mismo trabajo o darte el mismo efecto. No tengo ninguna postura en particular en lo referente a los bocadillos de pensamiento en un sentido u otro. No me preocupo por ellos cuando funcionan, no me gustan cuando no funcionan. Lo mismo ocurre con los recuadros de diálogo –narrativos, primera persona, segunda persona o tercera persona. Funciona cuando funciona. Creo que tienes razón, pero creo que particularmente los bocadillos de pensamiento y esencialmente los bocadillos de pensamiento al estilo Marvel de la manera en la que fueron introducidos de forma pionera por Stan y luego quizás fueron destrozados por un montón de tipos durante los ’70 y los ’80 han pasado de moda. Solían ser directamente mecanismos de exposición mas que otra cosa. Te permitían entender al personaje y su personalidad, pero para lo que realmente estaban ahí era para contarte cosas que no eran inmediatamente visible en las viñetas, o lo que los personajes estaban sintiendo de la forma más directa posible. “Estoy furioso. Estoy disgustado. Estoy triste. Estoy decidido”. Es una forma muy directa de comunicar la caracterización, pero es también muy poco sofisticada.
Mientras que la demanda de que la narrativa se hiciera más sofisticada creció, tipos como Frank Miller fundaban otra forma de abordar eso –tiendo a pensar en Frank como en el tipo del póster para los recuadros narrativos, incluso aunque no estoy seguro de que fuera él el primero en usarlos. Pero es cuando los usó en “Daredevil” cuando ganaron popularidad. Ayudaron a crear la ambientación de cine negro que la gente buscaba, y se convirtieron en la moda – casi al estilo de Raymond Chandler. Era “Empujé a la dama y le endosé mi gato” solo en la forma de hablar de Daredevil. Y eso se convirtió en la forma a través de la que entrabas en esas emociones y pensamientos pero a un nivel menos directo de modo que pudiera haber ciertos matices. Mientras nos adentramos más en los tiempos modernos, estamos tomando más ideas del cine y las películas, y estamos más inclinados a dejar que el espacio vacío cuente la historia y permita a los lectores tapar los huecos por sí mismos basándose en el lenguaje corporal del personaje y el ritmo del tiempo en la página. No creemos que todo deba llevar puesta una etiqueta. Si Spider-Man o el Capitán América se siente triste o decidido o colérico o lo que sea, lo verías reflejado de la misma forma en la que un actor lo haría en el cine o en televisión o en el escenario mejor que con un gran bocadillo de pensamiento que diga “¡Él mató a mi novia y estoy tan triste o colérico o enfadado!”.
Pienso también que los bocadillos de pensamiento sufrieron el impacto de la moda. Creo que el bocadillo de pensamiento fue uno de esos tropos de la narrativa del comic de los que nos sentíamos algo avergonzados como comunidad. La razón para ello tiene menos que ver con la manera en la que los hemos usado y más con cómo otros los han usado. Es igual que “¡Zap! ¡Pow!” se ha convertido en algo odioso porque estaba en cada titular sobre comics en cada periódico durante 30 años. Uno de los elementos gráficos que cada historia de noticias o incursión de los tabloides o artículo de revista que hablaba sobre comics usaría era siempre un bocadillo de pensamiento mal rotulado y con palabras ridículas. Para la persona media que no tiene contacto con nuestro medio, eso es lo que un comic era. A base de repetir eso, nos hacía parecer más cursis e infantiles de lo que queríamos parecer mientras entrábamos en los ’80 y en los ’90 y más adelante.
No hay respuestas correctas o incorrectas. Todo esto son colores en tu paleta o herramientas en tu caja de herramientas, y cada creador dado puede ir y hacer cosas interesantes con ellas. Brian [Bendis] experimentó con los bocadillos de pensamiento en “Los Poderosos Vengadores”, y a alguna gente le gusto y a otros no. Trató de usarlos menos como “Voy a decirte exactamente que está pensando cada personaje ahora en un gran bocadillo”, sino en cambio de una forma muy fragmentada, muy breve, casi al estilo “Pop-Up Video” mostrando lo que un personaje estaba sintiendo frente a lo que estaba diciendo. Me pareció que era una aproximación interesante a la técnica, y jugó con ella durante un tiempo, pero acabó consiguiendo más comentarios curiosos que cumplidos. Cuando mencionó “Voy a traer de vuelta los bocadillos de pensamiento en ‘Los Poderosos Vengadores’”, todos aquellos tipos tras el panel de Carmine Infantino pensaron “Oh, va a escribir a Los Vengadores de la forma en la que se escribían en 1975”, y no quedaron particularmente satisfechos con la forma en la que realmente uso ese elemento del lenguaje del comic. Y no se si eso resultaba tan natural para él, así que se movió a otras cosas. Mañana, algún otro podría aparecer con una nueva forma de usar el bocadillo de pensamiento, y será genial, y de repente será la nueva tendencia de moda. Seguramente si alguien como Alan Moore apareciese e hiciese un comic que fuera 90% bocadillos de pensamiento, habría 20 imitadores seis meses después.Phegley: Una última cosa sobre la que quería preguntarte era que había visto en las solicitudes de Mayo que finalmente vais a sacar el que ahora se llama “Avengers Academy Giant Size” #1 de Paul Tobin que había sido anunciado como un proyecto en un formato diferente de anuales. Ha habido algunos otros comics de Marvel como este que han sido cambiados de formato desde el anuncio hasta la publicación. ¿Qué factores causan estos cambios? ¿Es simplemente mirar la tendencia de ventas de otros comics, o hay factores de calendario que necesitan reposicionamiento?
Brevoort: Es normalmente más lo primero que lo último, pero siempre tiene que ver con la cuestión de cuál es la mejor manera de sacar la historia al mundo en la forma en que el mercado vaya a acogerla. Cuando comenzamos a trabajar en esas historias de Paul Tobin como anuales, por una cosa todos esos comics todavía existen [risas]. Así que la idea de que habría un anual de “Young Allies” hizo que tuviera un poco más de sentido dentro de ese contexto. Pero más allá de eso, en los últimos seis meses hemos visto como el mundo ha cambiado y como el mercado ha cambiado, y estamos tratando de ajustar cómo publicamos nuestro material y qué publicamos. Hemos hablado de esto en las semanas pasadas, cómo hemos estado intentando sacar menos series limitadas y especiales y concentrarnos más en los títulos centrales. La gente realmente nos hace llegar el mensaje de que se sienten como si se estuvieran ahogando en comics del Capi y de Thor relacionados con los estrenos de las películas. Y por tanto, estamos reaccionando a todo eso del modo en el que estamos reformulando las cosas.
Pero más que nada, es una cuestión de qué pensamos que va a funcionar mejor. Como negocio, queremos hacer el mayor de nuestros esfuerzos y maximizar el número de miradas y el número de dólares que todo el mundo –incluyendo a los vendedores- gana. No tiene sentido sacar buenos comics que se quedan en las tiendas. En el caso de esos anuales, hemos pasado por dos o quizás tres versiones antes de acabar en esta, y mucho de ello fue en reacción a donde parecía estar el mercado en cada momento particular. En esos casos, tendemos a tomar nuestras ideas de David Gabriel y su Departamento de Ventas que están más directamente en contacto casi diario con los vendedores y lo que esos tipos están diciendo que funciona y no funciona en sus tiendas. En ningún momento pensamos que la historia que Paul está contando en esos tres anuales ahora convertidos en un único Giant Size no fuera genial. La cuestión era “¿Cómo publicamos este material de una forma que nos permita ganar el dinero y a los vendedores ganar el dinero que necesitan ganar sin hacer sentir al aficionado como si estuviéramos robándole la cartera?”. Con suerte, el producto con el que hemos acabado, un tremendo exitazo de 80 páginas, lo conseguirá. Y si funciona, sabremos que es un formato viable para esas cosas. Y si no, entonces apareceremos con otra cosa distinta la próxima vez.
Pero estamos constantemente teniendo que reorientar y ajustar lo que hacemos específicamente debido a una de las cosas que hablamos la semana pasada: que Marvel funciona bajo el principio de que cada comic ha de aguantar su propio peso y ganarse su terreno. Así que para cualquier cosa que huela incluso un poco como si pudiera no ser rentable o recuperar lo invertido, necesitamos mirarla y encontrar una manera de reencauzarla para que lo haga. Esa es la razón más que las fechas. Los problemas con las fechas ocurren todo el tiempo, y la mayoría de la gente nunca es consciente de ello. Vosotros estáis reaccionando a proyectos cuando los veis en el listado de solicitudes de Mayo o de cuando sea, y nosotros estamos reaccionando a proyectos que sabemos que tenemos en el canal de distribución para ver impresos durante el próximo año o año y medio. Estamos constantemente deslizándonos sobre cuándo va a salir el Proyecto A con respecto al proyecto B para la mejor coordinación en términos de historia, o presupuestarios cuando tenemos un mes en donde demasiado o no suficiente material está saliendo.
Phegley: Para cerrar esta semana con algunas preguntas de los fans sobre este mismo tema, no se si la viste, pero tuvimos una entrevista con Rob Liefeld esta semana en la que habló de que ya tenía acabada su contribución a la anunciada serie de “Killkraven” escrita por Robert Kirkman. Varias personas han escrito desde entonces preguntando si el proyecto está completamente terminado ahora y cuándo verá la luz del día. ¿Qué dices?
Brevoort: Voy a tener que investigar esto un poco más, pero hasta donde puedo decir, mientras que Rob puede tener acabada su contribución al proyecto, no creo que tengamos todas las páginas en las manos todavía. Incluso entonces, necesitaremos tener la serie rotulada y coloreada, y entonces pensar cuál sería el mejor momento para publicarla. ¡Así que continuad conectados para más noticias en cuanto las consiga!
Phegley: Continuando con eso, el usuario matthew2k10 preguntó “¿Cuál es el estatus del proyecto de Spider-Man de Jeph Loeb y J. Scott Campbell?
Brevoort: Aun se está trabajando en ello, lento pero seguro, Matthew –¡y aquí hay una página de muestra del segundo número para probarlo! Es curioso, pero los aficionados nos piden todo el tiempo tener series como esta acabadas o casi acabadas antes de publicarlas y cuando tratamos de hacerlo, otros lectores se impacientan. Pero es nuestra culpa, espero, por emocionar sobre esos proyectos y querer mostrarlos y anunciarlos tan pronto.
Phegley: Y continúa preguntando, “¿Qué hay del estatus de ‘Captain America: White’”?
Brevoort: También se está trabajando en ello. Pero no tengo ninguna página de dibujo que pueda mostraros, lo siento.
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